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miércoles, 29 de junio de 2016

HOMENAJE A RICARDO GÓMEZ LIÑÁN

Vista general de Jimena de la Frontera



Ricardo Gómez Liñán



www.tiojimeno.es, que ha sido el único periódico digital de Jimena de la Frontera (Cádiz. Spain) durante 9 años y medio, cierra mañana, según nos anuncia Ricardo Gómez Liñán, creador y alma de un proyecto que comenzó su andadura el 9 de enero de 2007.  

 En Jimena de la Frontera que no hay prensa en formato convencional era, pues, tiojimeno la única prensa de la ciudad.


Una década de la sociedad del municipio y el entorno reflejada en miles y miles de noticias, anuncios, artículos, fotografías, reportajes, vídeos, de temas vecinales, sociales, políticos, culturales, medioambientales.... que, no obstante de momento, permanecerán disponibles en la red.



Queremos, a través de las páginas de este Blog, rendir un homenaje a Ricardo Gómez Liñán que tanto ha hecho por la información en Jimena de la Frontera y en todo el Campo de Gibraltar. 
Vaya, pues, nuestro agradecimiento por la desinteresada y encomiable labor periodística desarrollada durante cerca de diez años, con gran esfuerzo personal.






Ricardo Gómez Liñán en 2015 durante los II Open Studios









jueves, 23 de junio de 2016

OPEN STUDIOS 2016 DE JIMENA DE FRONTERA (Cádiz. Spain)















Antes de iniciar mi conferencia inaugural



Durante mi intervención






 El Corral de la Paca, Asociación Cultural, sin ánimo de lucro, de Jimena de Frontera, y que preside Marcus von Wachtel, inició este Festival de las Artes en el año 2012. Es pues este  año el cuarto consecutivo que se celebra.

El Festival de las Artes es un evento en el que la pintura y la escultura se dan la mano con el circo y la música. Durante los días 10, 11 y 12 de junio el local de la Asociación se convirtió en una sala de exposiciones (que permaneció abierta hasta el día 19), una pista de circo y un auditorio musical. . El objetivo es aunar estas disciplinas con el fin de atraer a los más jóvenes y hacerles partícipes de la pintura, la escultura y  la música.
           
 Al principio se limitaba a una exposición en el local de la Asociación pero a partir de 2013 los artistas participantes además hacen jornadas de puertas abiertas de sus Estudios (III Open Studios) diseminados por la ciudad de Jimena. Esto contribuye a dar a conocer no sólo los Estudios de los artistas y su obra sino también la ciudad en sí. Al recorrer sus calles los visitantes tienen ocasión de visitar el Castillo, monumento nacional desde 1931, los alrededores del rio Hozgarganta, como la Real Fábrica de Artillería de Carlos III, que data del siglo XVIII, o el Santuario de la Reina de los Ángeles del siglo XVI  y aledaños del Parque de los Alcornocales.


La conferencia inaugural la impartió el autor de este Blog Profesor Doctor Eduardo Sáenz de Varona, crítico de arte actual y poeta, que diserté sobre la trayectoria de arte en el siglo XX.

       Se realizó también una visita guiada a la exposición de alumnos de los Institutos de Jimena, San Martín del Tesorillo y San Pablo de Buceite.



 Los artistas que expusieron son:

Melissa González Morgan, Roderic Stokes, Patricia Lucas, Catherine Fender Hall, Gonzalo Polo, Jillian Adesigbin , Clodagh Thornton, Juan Soler, Juan Lobillo y Práxedes Gómez.

Y como artista invitada la joven madrileña Julia Moreno Fernández.
 



 Artistas que expusieron


Melissa G. Morgan




       







Roderic Stokes











 Patricia Lucas















Catherine Fender Hall (ceramista)














Gonzalo Polo








  Refugiados (Instalación)







Video de Refugiados (Instalación de Gonzalo Polo)









Jillian Adesigbin














Clodagh Thornton





























Juan Soler

















Marenostrum (Instalación)









Juan Lobillo






Interpretación lumínica










Práxedes Gómez







 Grabado al ácido sobre plancha de metal





 Julia Moreno Fernández







 Individuo. Acrílico sobre tabla


















El circo de cartón taller infantil organizado por Juan Ángel Gómez y Anja Tiedemann

                                       

           

Trapecista durante la actividad infantil






















 Marcus von Wachtel, artífice del Festival de las Artes y de los Open Studios






 Foto de familia




Interesante fotocomposición de buceite.com





Marcus von Wachtel hace mi presentación






Iniciando mi intervención






Texto de mi conferencia




Debemos felicitarnos porque esta iniciativa privada cumpla 4 años. Iniciativa que viene organizando Marcus von Wachtel, hombre de circo, de teatro, de cine, de televisión… con una importante trayectoria internacional y que volvió a la ciudad de su infancia para transformar esta antigua fábrica de corcho en El Corral de la Paca, una Asociación Cultural sin ánimo de lucro. Ello es una prueba de cómo se puede mostrar el arte no solo en las grandes ciudades sino también en las pequeñas.



Este es el cuarto año consecutivo que organiza el Festival de las Artes de la ciudad de Jimena de la Frontera (Cádiz. Spain), incrementando tanto la participación de artistas de internacional reconocimiento como el nivel de audiencia. Al unir las artes plásticas con las circenses y la música ha logrado diferenciar estos Open Studios de muchos otros.



Todo ello es el resultado de un arduo trabajo y de un profundo sentido estético, por lo que Marcus von Wachtel, pensamos, se merece todo nuestro apoyo para que prosiga adelante con esta magnífica iniciativa.



El Festival de las Artes de Jimena auna plástica, música y algo tan fundamental  como es infundir el acicate del arte a los pequeños. La fragancia de los pocos años de éstos presta una nota distintiva a este Festival de las Artes y Open Studios respecto de otros que se desarrollan en la Comarca y hasta en España.



Los artistas y las obras que se muestran en estos Open Studios 2016 abarcan el sentido del arte desde perspectivas distintas pero todas ellas válidas y de gran calidad artística en sus distintas vertientes.



Suponen una brisa de aire fresco que demuestra que la plástica se puede realizar sin encorsetarse a unas férreas normas ortodoxas fijadas a priori.



Mi felicitación pues a todos ellos por la lección de estética que ofrecen a nuestra vista a través de sus obras.



No queremos dejar pasar esta modesta intervención sin resaltar un hecho fundamental para el arte de nuestro tiempo y que iba a poner lo que se entendía por arte “patas arribas”. Me estoy refiriendo al dadaísmo un movimiento cultural surgido primero en Europa y posteriormente en Estados Unidos. Fue creado en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza) en febrero de 1916 (se cumple pues este año su centenario) con el alemán Hugo Ball como fundador, cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en esa ciudad durante la Primera Guerra Mundial. 



Posteriormente el rumano Tristan Tzara, se convertiría en la figura más representativa del dadaísmo que surgió del desencanto que sentían esos artistas al vivir en la Europa del periodo  de la Primera Guerra Mundial y, posteriormente, de la actitud de rebelión hacia la abulia y desinterés social característico de los artistas en una etapa de guerra.



Artistas relevantes de este movimiento fueron el ya citado poeta y ensayista Tristan Tzara de Rumanía, los artistas franceses Jean Arp, Marcel Duchamp, Francis Picabia y los alemanes  el poeta Hugo Ball, (ya citado) el pintor y cineasta Hans Richter, además del pintor, fotógrafo y cineasta norteamericano Man Ray. También debemos destacar a los escritores franceses André Bretón y Louis Aragón.



Tras varios encuentros informales en distintos cafés, empezaron a darle forma a la idea de crear un cabaret internacional. La primera celebración tuvo lugar el 5 de febrero de 1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un espectáculo de variedades con canciones francesas y alemanas, música rusa, música negra y exposiciones de arte. 

Ese mismo año se publicó un Manifiesto titulado Cabaret Voltaire que contenía aportaciones de  Apollinaire, Marinetti, Picasso, Modigliani y Kandinsky entre otros. En la cubierta aparecía un dibujo de Jean Arp.



El aporte del Dadaísmo al arte moderno ha sido el cuestionamiento continuo de qué es el arte o qué es la poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser cuestionada y que, por tanto, no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo artístico.





Y entrando en el fondo de esta conferencia inaugural me voy a referir a la perspectiva de arte, visto a través de finales del XIX y del pasado siglo.



Partimos de lo que  he llamado “el terrorismo de las primeras vanguardias”. Su enunciado exacto en tiempos del dadaísmo y del más furibundo surrealismo fue “matar al arte” o “asesinar el arte” y en tiempos futuristas “quemar todos los museos” .Pero ese asesinato que, más o menos, literariamente se proyectaba y que afortunadamente no pasó de denigrar con unos bigotes a la Monna Lisa se realizaba por artistas, y dentro del seno del arte. Era pues una acción contra la pintura desde la pintura.



Y de aquí vamos a pasar a dar unas pinceladas sobre el aformalismo, informalismo o abstracción.



La voluntad aformal, en su fuero interno, se corresponde con la misma que hizo exclamar un día a los dadaístas berlineses “amateurs, levez vous”. Es decir que escondida en los pliegues más recónditos de ese tipo de arte hay una cierta vocación anti-jerárquica, una determinada manera de iconoclastia y una íntima sugestión por la barbarie y todo ello se concreta de la manera más paladina en el aformalismo. De forma que en el más extremoso de los casos de un ideal aformalista ese arte coincidiría exactamente con el tachón brusco de cualquier pintador ignaro o con el paso ocasional y fortuito de la vida por cualquier pared inmaculada.


Pero el arte contemporáneo es decir el arte que comienza por convertir la expresividad latente en expresividad actuante, esto es, en expresionismo es, todo él, una rebelión contra el poderío de la abstracción porque hay una contradicción fundamental en el arte abstracto y ésta es su empeño en abolir el “arte”(entre comillas) porque está imposibilitado de hacerlo desde otro vehículo que no sea desde el arte mismo.

De otro lado en un panorama tan amplio como el nuestro en el que ya se cuenta – y cito a título de ejemplo -  tanto con Holbein como con Jackson Pollock ¿Cuál es el criterio para establecer una jerarquía de lo perfectible, de lo magistral, de lo bueno, de lo malo?. Es cierto que si un Jackson Pollock intempestivo hubiese realizado su obra en la época de Holbein – y que se me perdone la absurda hipótesis – ella hubiera pasado totalmente desapercibida. A la obra de Pollock la identifica no la obra en sí sino la época y la situación en que se produce. Entonces de una manera deliberada  inscribimos a la obra-Pollock en la edad-Pollock, en la circunstancia-Pollock y en la sociedad-Pollock. Hay, además un tercer elemento que somos nosotros, los espectadores. Reconocemos a Pollock porque de una manera o de otra percibimos su poder significador. Lo reconocemos porque de alguna forma habla un lenguaje que nos es accesible, porque hay un punto de identidad entre Pollock y nosotros, porque en él nos reconocemos a nosotros mismos. Comprendemos al arte porque en su significación está comprendido también algo de lo que nosotros somos.

Por eso, porque la realidad disgregadora que Pollock vive no existía en tiempos de Holbein, un Pollock de los tiempos de Holbein no hubiera sido posible.
Por muy personal que sea una expresión plástica su testimonio tendrá siempre algo de colectivo. Eso es lo que hace que, pese a todos los originalismos, cualquier testimonio del arte tenga siempre un acento de “época”(entre comillas) cuando no “de grupo”(también entre comillas)

Pero el arte como la vida no es lineal por eso tenemos un Bosco que parece beber de la fuente del surrealismo o un Goya que en su “perro semihundido” del Museo del Prado parece intuir lo que mucho más tarde se llamará arte abstracto.

¿Cuáles han sido, pues, las rutas de la construcción del arte contemporáneo?

Hay un criterio que las unifica: la subversión frente al “antiguo régimen”(entre comillas) del arte. Toda su trayectoria está ungida por la literatura de la disconformidad.

En esta línea  la obra de Cézanne, es el primer hito en esa larga y laboriosa cadena de la trayectoria. En efecto Cézanne está entre la forma ideada y la forma concreta, pese a que por su inevitable cercanía histórica al ideario del “antiguo régimen” del arte, en toda su pintura se advierten los arrastres del idealismo platonizante: su fidelidad representativa, su orden composicional, su figuración modélica. E inmediatamente después de Cézanne, Seurat. En éste hay que añadir como dato acentuador de su idealismo la “divinización” de su proporción compositiva.

Ahora bien, tanto uno como  otro, sitúan ya su arte en el camino de la nueva dimensionalidad por el simple hecho de invertir el orden conceptual del espacio concreto que utilizan, desde “un a priori a una experiencia”. Es cierto que, para los impresionistas, la investigación espacial fue también una experiencia, pero lo fue solamente en los dominios del espacio “figurado”. Cézanne y Seurat someten a un orden dimensional, no el espacio de la figuración sino el espacio real, es decir, hacen del cuadro, no el sujeto pasivo sino el protagonista de la investigación espacial.
Cézanne y Seurat no cuentan ya con el consabido cubo óptico del antiguo espacio aéreo, ni con la espacialidad oblicua que Degas incorpora de la visión japonesa, sino con el concreto plano bidemensional.
Lo que Cézanne quiere someter a la misma legislación generativa del cilindro, el cono y la esfera no son solo las masas grávidas de su figuración sino “toda la figuración”.

Con Cézanne nace ya un tratamiento espacial que, aún cuando ligado a la figuración, no es nada figurativo en su ideología interna. Cézanne desencadena la necesidad de una investigación en el plano real que viene a desarrollar el movimiento cubista.
El cimiento ideológico del cubismo no es la representación aun cuando se le considere clasificado dentro de los movimientos que aún son “representativos”.
En el cubismo, para decirlo con las conocidas palabras de Juan Gris,  se trataba de la realización de una implícita consigna cézanniana que consistía en hacer, por ejemplo, “de una botella un cilindro”.

Cuando Kandinsky descubrió la validez de un arte despojado de representación la crítica de la vanguardia de la época echó las campanas al vuelo. Parecía que, al fin, se había descubierto para el arte la posibilidad de la “abstracción” (entre comillas). Kandinsky “descubrió” a la abstracción, cuando cayó en sus manos, como una fruta madura, la posibilidad de enfrentarse con la realidad del arte despojada de su mediatización representativa.

Pero para llegar al punto en que la abstracción – desde su línea geométrica – empieza a positivarse  hay que situarse en Mondrian. Para Mondrian la pintura ya es el tratamiento de un “espacio plano concreto”, no falsificado por ninguna ficción de profundidad.

Aún así, el plano real – el espacio concreto – estaba restablecido por las investigaciones de los suprematistas y de los “realistas” (entre comillas) rusos de principios del siglo XX.

En Malevitch la forma ya es una consecuencia del espacio real. En él la forma condiciona al espacio como el espacio condiciona a la forma.
Toda la evolución posterior del arte formal consiste en la afirmación de su situación concreta, adquirida a partir de Mondrian y de Malevitch.


Hay, con posterioridad, una investigación de problemas visuales muy compleja como ocurre en Vasarely, consistente en establecer una coexistencia visual de planos positivos y negativos.


En otro plano está además una complicidad del tiempo y el espacio en el llamado arte de la construcción dinámica cuyo más significativo representante  es el estadounidense Calder con sus esculturas dinámicas y móviles. El movilismo de Calder se cerraba y se limitaba en el solo sentido lúdico de sus transformaciones.

El escultor Jorge Oteiza  definió así la diferencia entre un arte “móvil” y un arte “dinámico”: Es estática una escultura en cuanto se propone una ecuación de equilibrio. Es dinámica si conduce el planteo de sus fuerzas a una ecuación de movimiento. Lo cinemático, el móvil, es la apariencia de vida en la estatua, no desde la estatua sino desde la vida.   


 Esta charla que ha pretendido ser un deambular por todos los caminos del arte del siglo XX le ha concedido tanta importancia a los caminos que apenas ha reparado minimamente en los hombres que los iban trazando.

Es necesario añadir que los nombres citados lo están solo a manera de apoyatura referencial no con intención de jerarquía ontológica. Somos conscientes de la cantidad de nombres que se omiten.


Por último queremos hacer referencia al ejemplo, a nuestro entender, más significativo e ilustre de todo el arte del siglo XX: Picasso

Picasso es, todos los sabemos el que más sañudamente atacó la jerarquía ABSOLUTA de la representación. Picasso le retira su voto a la representación porque sabe que ella no contiene en sí toda la realidad, pero sigue manteniendo que el arte es un problema de realidad y se niega a conceder que ella – la realidad – pueda estar en la negación de la representación. Entre la figuración y la abstracción Picasso no le concede su voto a ninguna de ellas sino que se lo reserva a la realidad.

Pero ¿en qué consiste la aportación de Picasso al arte del siglo XX?

Picasso no propone ningún programa.  Lo que Picasso propone es la LIBERTAD

La sangre de la vida circula por su obra y su arte es LIBRE.

Nos identificamos con Picasso, mucho más que con cualquier otro artista del siglo XX porque él asume la historia del arte de ese siglo.



Por último me gustaría animar al organizador, a la comisión organizadora y a todos los artistas presentes con estos versos de Pedro Salinas tomados de su obra Razón de Amor 

No te detengas nunca.
Si ves muros de agua
anchos fosos de aire
setos de piedra o tiempo
guardia de voces ¡pasa!







                                              



       







                                       




                                            Video del Acto Inaugural    




 

                                                                                     

                   









Sede de la Asociación Cultural El Corral de la Paca









 Vista general de Jimena de la Frontera






Aljibe y patio de armas del castillo romano-nazarí 







Parque Natural de los Alcornocales










  La Peña Gorda en el río Hozgarganta










 El Cao de la Real Fábrica de Artillería de Carlos III (s. XVIII)










 Santuario de la Reina de los Ángeles. Convento franciscano (s. XVI)










Imagen bizantina de la Reina de los Ángeles (mediados s. XIV)





















Pinturas neolíticas en el abrigo de la Laja Alta (Jimena)












CODA, Se pueden consultar los siguientes links:







Conversando sobre la expo.




Con Gonzalo Polo


Los artistas Juan Lobillo y Juan Soler



 Con Gonzalo Polo ante su Instalación




Tobi Quirós, Gonzalo Polo y Flaky: juego y arte




El artista Manuel Cerezales, hijo de la escritora Carmen Laforet (1921-2004)


La artista Melissa G. Morgan junto a su obra con el fotógrafo Flaky



El artista Práxedes Gómez (dcha.) y Tobi Quirós




Los artistas Julia Moreno y Gonzalo Polo






El artista Roderic Stokes charla junto a su obra






Público en el concierto de jazz






La banda de jazz León Island Dixieland






Parte de los asistentes comentan la expo.







Ante la Instalación de Juan Soler Marenostrum




Perspectiva de la expo.




Tan cerca y tan lejos





Perspectiva de la entrada al Corral de la Paca en la inauguración de los Open Studios
















Adenda: mi agradecimiento a Bernardo Medina por permitirme utilizar el vídeo y gran parte de las fotografías de www.buceite.com para la confección de este artículo.